Transfigurations / Julie Crenn

(texte écrit à l’occasion de l’exposition Nicolas Tourte au Musée de Louviers)

Avec une économie de moyens et l’élaboration de processus visuels apparemment simples, Nicolas Tourte parvient immédiatement à nous faire entrer dans son univers où nos repères et codes sont subtilement modifiés. Un monde parallèle et décalé où chaque détail compte. Sculpture, installation, dessin, performance, photographie, photomontage et vidéo sont les médiums qu’il a choisis pour transfigurer le quotidien. Des mediums auxquels il ajoute une pointe technologique et numérique. L’art vidéo joue un rôle primordial dans sa pratique, notamment l’utilisation de systèmes de projections dans l’espace ou directement sur des objets sélectionnés. Celles-ci viennent animer des scènes initialement immobiles. Ainsi sur la fenêtre arrière d’une voiture est projetée l’image d’une groupe d’enfants qui, comme pris au piège du véhicule, crient, se débattent et semblent frapper sur la vitre de la place, 2012; sur un circuit fermé s’écoule violemment l’eau d’une rivière [À la loupe – 2012]. Multiplication, répétition, images en boucle, les projections tournent à l’hypnose et brouillent notre perception. Entre réalité et fiction, l’artiste procède à un art du décalage où l’improbable vient tutoyer le trivial. Click to collapse

Plusieurs œuvres mettent en mouvement des panneaux de signalisation. Ainsi un ouvrier de chantier jette avec sa pelle des cailloux sur le panneau signalant un risque d’éboulement sur la route [WIP – 2010]. Un cerf passe furtivement devant un panneau triangulaire [Cerf vidé – 2009]. Une voiture projette des cailloux dans une tasse indiquant la présence d’une aire de repos [Road sign – 2010]. Une multiplicité de panneaux de sens unique projetés sur des tables de bar renversées [Or-beat – 2010]. L’artiste élabore des story-boards lorsqu’il est au volant, ils sont générés par l’ennui et le caractère redondant de ses trajets. En effet, les panneaux sont des injonctions visuelles que nous fréquentons quotidiennement, sur les routes et dans la rue. Ils nous informent de dangers potentiels, de risques accidentels et nous appellent à la prudence. Une prudence et une obéissance à un code collectif que l’artiste détourne avec humour. Il poursuit sa réflexion ludique autour de la route avec deux vidéos : Arizona Corridor [2009], où sur une route américaine, les lignes centrales jaunes se transforment en une rivière sans fin ; et Trucks [2012], où de chaque côté d’une glissière, deux camions se renvoient un ballon de football comme dans les premiers jeux vidéo des années 1980 simulant une partie de tennis. Les associations sont à première vue simples, efficaces et amusantes. Pourtant, il souligne l’uniformisation de nos paysages, urbains et ruraux, dans laquelle il extirpe des fictions à la fois critiques et soucieuses d’une perception alternative de notre environnement visuel.

Une bouteille de lait s’écoule, quand soudain un jeune cycliste circule dans le lait [Lacté – 2010]. Une apparition humaine impromptue et inattendue. Nicolas Tourte met en place des dispositifs mêlant humour, illusion et jubilations visuelles. Dans sa réflexion plastique et conceptuelle, les objets du quotidien jouent un rôle moteur, par exemple il présente un parapluie ouvert qui se fait l’écran d’un ciel nuageux [Paraciel – 2009]. Chaque installation vidéo est pensée en fonction du lieu où elle est présentée au public. Elle s’adapte aux contraintes architecturales et offre une perception nouvelle de l’espace, qu’il soit sacré, public ou privé. L’artiste envisage l’œuvre comme un objet facilement transportable, malléable et modulable selon les lieux où il expose. En plus des effets spatiaux et visuels, nous notons l’effort produit par l’artiste pour la création des titres de chacune de ses œuvres, de véritables calembours et jeux de mots qui nous guident dans notre lecture des images et des objets. Les titres font partie du processus créatif imaginé à partir d’une vision singulière et ironique de notre société où le matériel prime souvent sur l’humain, la pensée et les sentiments. Il décode avec pertinence notre relation aux objets et met en lumière leur présence envahissante et écrasante.

L’artiste produit des renversements en introduisant des éléments organiques et naturels au sein de paysages urbains aseptisés, déshumanisés. Inversement, il traverse des paysages naturels où il infiltre une présence humaine, un trouble. En ce sens, le photomontage Egaré [2007] peut être considéré comme une œuvre synthèse de sa pratique. Un individu aux membres disloqués, est couché au sol, endormi, mort, blessé? Son corps gît au creux d’un paysage artificiel, bricolé. Il est composé de trognons de pommes et d’un bloc de terre sur lequel poussent de petites brindilles. L’artiste met en scène le corps de la femme, il arrange le décor au moyen d’éléments organiques extraits de leurs milieux ou achetés. De la même manière, une ombre se promène à l’intérieur d’une croûte de pain [Dans la croûte ou sous le manteau – 2009]. Il conçoit un espace truqué, fictif, où la figure humaine peine à trouver sa place. Car il est constamment question de cela, l’échelle humaine par rapport à celui de l’univers. Une réflexion établie dans la série La Trace est Profonde [2009], formée de douze dessins en noir et blanc où la figure humaine, qui, elle est en couleur, nous apparaît comme une incarnation du mythe de Sisyphe. Elle engage un rapport tendu et conflictuel avec des objets appartenant au quotidien. Des objets aux dimensions extrapolées rendant l’homme minuscule et impuissant face à cet environnement écrasant. Avec un style épuré, minimal, Nicolas Toute présente un homme nu soulevant sur son dos deux grains de raisin, un autre enjambe le manche d’une petite cuillère ou s’extirpant péniblement d’une bouteille de lait. Nous observons cet univers d’un point de vue microscopique et envisageons la figure humaine, rendue lilliputienne, d’une manière nouvelle. À la fois attractive, car amusante et surprenante, mais aussi effrayante, car elle nous ramène à notre impuissance et notre asservissement au matériel.

Plus étrange, la figure humaine est fragmentée, désorganisée et parfois même dissolue. Une partie de ping-pong se joue entre deux corps invisibles [Ping – 2009] ; les bustes d’un couple aux crânes rasés, aux visages pâles et mélancoliques, sont projetés au-dessus d’une baignoire remplie à ras bord [O_O – 2009]. Le corps humain y est chaque fois présenté comme un organe vulnérable et éphémère, faisant partie d’un ensemble dont il est dépendant. Il y est aussi réduit et mis à l’épreuve de l’espace et des objets : suspendu à un clou au mur [Far end hole – 2010] ; nageant dans un mouvement perpétuel et absurde [Rift – 2010] ; nu, frissonnant et grelottant dans un espace en friche [Attente (Re) – 2010] ou encore prostré au fond d’une tasse renversée [Exil en Vaisselle – 2009]. L’artiste pousse la fragmentation corporelle jusque-là création de corps hybrides, monstrueux. Un diptyque présente deux mains dont les doigts semblent se prolonger à l’infini grâce à un système rhizomique. Les doigts-branches-racines génèrent de nouvelles mains [Poumons – 2007]. Deux avant-bras sont soudés l’un à l’autre et suspendus à un cintre [Manie-Gance – 2008]. Plus récemment, dans le cadre de sa résidence à la villa Caldèron à Louviers, l’artiste collabore avec un groupe d’une quinzaine d’adolescents. Il leur demande de se regrouper, de se serrer les uns contre les autres. Placé au-dessus d’eux, il observe non seulement la proximité des corps imbriqués, mais aussi les couleurs de leurs vêtements, qu’il agence de manière à créer une forme visuellement et plastiquement homogène. Ensuite, il filme et instaure une chorégraphie, lente et collective. En leur soufflant de se mouvoir dans tel ou tel sens, il parvient pendant quarante minutes à créer une dynamique unitaire et harmonieuse. Le groupe se métamorphose en une masse, un tout, semblable à une forme corallienne bercée par les flux aquatiques, le rythme des marées. Nicolas Toute choisit enfin d’extraire trois secondes du film. Trois secondes où le mouvement se fait naturel, harmonieux. Le résultat est une fusion entre les figures humaines et l’évocation d’un élément marin, un assemblage humain [Corail – 2012]. Les corps se bousculent, se heurtent et se meuvent de manière absurde et illogique. Ils perdent toute individualité et évoluent telle une masse informe, organique et décérébrée.

Grâce à une maîtrise des techniques numériques et un contrôle pointilleux des mises en scènes, Nicolas Tourte développe une esthétique fondée sur un équilibre fragile entre authenticité matérielle et fiction visuelle. Avec une sensibilité enjouée et un sens de l’association, il ouvre une brèche dans laquelle il examine le genre humain, perdu et vivant malgré tout.